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Lucio Fontana. "Concepto spaziale", 1965. China ink on paper. Dimensions: 30 x 20 cm. with certificate. This is a preparatory work that is represented in this picture on a double face, that is, the front and the back. It was acquired in Rome, at the art gallery "Il Segno". Good conditions. Lucio Fontana (Italian: 9 February 1899 – 7 September 1968) was an Argentine-Italian painter, sculptor and theorist. He is mostly known as the founder of Spatialism. Born in Rosario, province of Santa Fe, Argentina to Italian immigrant parents, he was the son of the sculptor Luigi Fontana (1865 — 1946). Fontana spent the first years of his life in Argentina and then was sent to Italy in 1905, where he stayed until 1922, working as a sculptor with his father, and then on his own. Already in 1926, he participated in the first exhibition of Nexus, a group of young Argentine artists working in Rosario de Santa Fé. In 1927 Fontana returned to Italy and studied alongside Fausto Melotti under the sculptor Adolfo Wildt, at Accademia di Brera from 1928 to 1930. It was there he presented his first exhibition in 1930, organized by the Milan art gallery Il Milione. During the following decade he journeyed in Italy and France, working with abstract and Expressionist painters. In 1935 he joined the association Abstraction-Création in Paris and from 1936 to 1949 made Expressionist sculptures in ceramic and bronze. In 1939, he joined the Corrente, a Milan group of Expressionist artists. In 1940 he returned to Argentina. In Buenos Aires (1946) he founded the Altamira academy together with some of his students, and made public the White Manifesto, where it is stated that "Matter, colour and sound in motion are the phenomena whose simultaneous development makes up the new art". In the text, which Fontana did not sign but to which he actively contributed, he began to formulate the theories that he was to expand as Spazialismo, or Spatialism, in five manifestos from 1947 to 1952. Upon his return from Argentina in 1947, he supported, along with writers and philosophers, the first manifesto of spatialism (Spazialismo)**. Fontana had found his studio and works completely destroyed in the Allied bombings of Milan, but soon resumed his ceramics works in Albisola. In Milan, he collaborated with noted Milanese architects to decorate several new buildings that were part of the effort to reconstruct the city after the war. Following his return to Italy in 1948 Fontana exhibited his first Ambiente spaziale a luce nera ('Spatial environment') (1949) at the Galleria del Naviglio in Milan, a temporary installation consisting of a giant amoeba-like shape suspended in the void in a darkened room and lit by neon light. from 1949 on he started the so-called Spatial Concept or slash series, consisting in holes or slashes on the surface of monochrome paintings, drawing a sign of what he named "an art for the Space Age". He devised the generic title Concetto spaziale ('spatial concept') for these works and used it for almost all his later paintings. These can be divided into broad categories: the Buchi ('holes), beginning in 1949, and the Tagli ('slashes'), which he instituted in the mid-1950s. Fontana often lined the reverse of his canvases with black gauze so that the darkness would shimmer behind the open cuts and create a mysterious sense of illusion and depth. He then created an elaborate neon ceiling called "Luce spaziale" in 1951 for the Triennale in Milan. In his important series of Concetto spaziale, La fine di Dio (1963–64), Fontana uses the egg shape. with his Pietre (stones) series, begun in 1952, Fontana fused the sculptural with painting by encrusting the surfaces of his canvases with heavy impasto and colored glass. In his Buchi (holes) cycle, begun in 1949–50, he punctured the surface of his canvases, breaking the membrane of two-dimensionality in order to highlight the space behind the picture. from 1958 he purified his paintings by creating matte, monochrome surfaces, thus focusing the viewer's attention on the slices that rend the skin of the canvas. In 1959 Fontana exhibited cut-off paintings with multiple combinable elements (he named the sets quanta), and began Nature, a series of sculptures made by cutting a gash across a sphere of terracotta clay, which he subsequently cast in bronze. Fontana engaged in many collaborative projects with the most important architects of the day, in particular with Luciano Baldessari, who shared and supported his research for Spatial Light – Structure in Neon (1951) at the 9th Triennale and, among other things, commissioned him to design the ceiling of the cinema in the Sidercomit Pavilion at the 21st Milan Fair in 1953. Around 1960, Fontana began to reinvent the cuts and punctures that had characterized his highly personal style up to that point, covering canvases with layers of thick oil paint applied by hand and brush and using a scalpel or Stanley knife to create great fissures in their surface. In 1961, following an invitation to participate along with artists Jean Dubuffet, Mark Rothko, Sam Francis, and others in an exhibition of contemporary painting entitled "Art and Contemplation", held at Palazzo Grassi in Venice, he created a series of 22 works dedicated to the lagoon city. He manipulated the paint with his fingers and various instruments to make furrows, sometimes including scattered fragments of Murano glass. Fontana was subsequently invited by Michel Tapié to exhibit the works at the Martha Jackson Gallery in New York. As a consequence of his first visit to New York in 1961, he created a series of metal works, done between 1961 and 1965. The works consisted of large sheets of shiny and scratched copper, pierced and gouged, cut through by dramatic vertical gestures that recall the force of New York construction and the metal and glass of the buildings. Among Fontana's last works are a series of Teatrini (‘little theatres’), in which he returned to an essentially flat idiom by using backcloths enclosed within wings resembling a frame; the reference to theatre emphasizes the act of looking, while in the foreground a series of irregular spheres or oscillating, wavy silhouettes creates a lively shadow play. Another work from that time, Trinità (Trinity) (1966), consists of three large white canvases punctuated by lines of holes, embraced in a theatrical setting made from ultramarine plastic sheets vaguely resembling wings. In the last years of his career, Fontana became increasingly interested in the staging of his work in the many exhibitions that honored him worldwide, as well as in the IDEA of purity achieved in his last white canvases. These concerns were prominent at the 1966 Venice Biennale, for which he designed the environment for his work. At Documenta IV in Kassel in 1968, he positioned a large, plaster slash as the centre of a totally white labyrinth, including ceiling and floor (Ambiente spaziale bianco). Shortly before his death he was present at the "Destruction Art, Destroy to Create" demonstration at the Finch College Museum of New York. Then he left his home in Milano and went to Comabbio (in the province of Varese, Italy), his family's mother town, where he died in 1968. .
Lucio Fontana. "Concepto spaziale", 1965. Encre de Chine sur papier. Dimensions : 30 x 20 cm : 30 x 20 cm. avec certificat. Il s'agit d'un travail préparatoire qui est représenté dans cette image sur une double face, c'est-à-dire au recto et au verso. L'œuvre a été acquise à Rome, à la galerie d'art "Il Segno". Bonnes conditions de conservation. Lucio Fontana (italien : 9 février 1899 - 7 septembre 1968) était un peintre, sculpteur et théoricien italo-argentin. Il est surtout connu comme le fondateur du Spatialisme. Né à Rosario, dans la province de Santa Fe, en Argentine, de parents immigrés italiens, il est le fils du sculpteur Luigi Fontana (1865 - 1946). Fontana a passé les premières années de sa vie en Argentine, puis a été envoyé en Italie en 1905, où il est resté jusqu'en 1922, travaillant comme sculpteur avec son père, puis à son compte. Dès 1926, il participe à la première exposition de Nexus, un groupe de jeunes artistes argentins travaillant à Rosario de Santa Fé. En 1927, Fontana retourne en Italie et étudie aux côtés de Fausto Melotti sous la direction du sculpteur Adolfo Wildt, à l'Accademia di Brera de 1928 à 1930. C'est là qu'il présente sa première exposition en 1930, organisée par la galerie d'art milanaise Il Milione. Au cours de la décennie suivante, il voyage en Italie et en France, travaillant avec des peintres abstraits et expressionnistes. En 1935, il rejoint l'association Abstraction-Création à Paris et, de 1936 à 1949, il réalise des sculptures expressionnistes en céramique et en bronze. En 1939, il rejoint le Corrente, un groupe milanais d'artistes expressionnistes. En 1940, il retourne en Argentine. À Buenos Aires (1946), il fonde l'académie Altamira avec quelques-uns de ses étudiants et rend public le Manifeste blanc, dans lequel il affirme que "la matière, la couleur et le son en mouvement sont les phénomènes dont le développement simultané constitue le nouvel art". Dans ce texte, que Fontana ne signe pas mais auquel il contribue activement, il commence à formuler les théories qu'il développera sous le nom de Spazialismo, ou Spatialisme, dans cinq manifestes entre 1947 et 1952. À son retour d'Argentine en 1947, il soutient, avec des écrivains et des philosophes, le premier manifeste du spatialisme (Spazialismo)**. Fontana trouve son atelier et ses œuvres complètement détruits lors des bombardements alliés sur Milan, mais reprend rapidement ses travaux de céramique à Albisola. À Milan, il collabore avec des architectes milanais renommés pour décorer plusieurs nouveaux bâtiments qui font partie de l'effort de reconstruction de la ville après la guerre. Après son retour en Italie en 1948, Fontana expose son premier Ambiente spaziale a luce nera ("Environnement spatial") (1949) à la Galleria del Naviglio à Milan, une installation temporaire consistant en une forme géante ressemblant à une amibe suspendue dans le vide d'une salle obscure et éclairée par des néons. À partir de 1949, il commence la série dite Spatial Concept ou slash, consistant en des trous ou des entailles sur la surface de peintures monochromes, dessinant un signe de ce qu'il appelle "un art pour l'âge de l'espace". Il a inventé le titre générique Concetto spaziale ("concept spatial") pour ces œuvres et l'a utilisé pour presque toutes ses peintures ultérieures. Ces œuvres peuvent être divisées en deux grandes catégories : les Buchi ("trous"), à partir de 1949, et les Tagli ("entailles"), qu'il a instituées au milieu des années 1950. Fontana tapisse souvent le verso de ses toiles avec de la gaze noire afin que l'obscurité brille derrière les coupes ouvertes et crée un mystérieux sentiment d'illusion et de profondeur. Il a ensuite créé un plafond de néons élaboré appelé "Luce spaziale" en 1951 pour la Triennale de Milan. Dans son importante série de Concetto spaziale, La fine di Dio (1963-64), Fontana utilise la forme de l'œuf. Avec sa série Pietre (pierres), commencée en 1952, Fontana fusionne la sculpture avec la peinture en incrustant les surfaces de ses toiles avec de lourds empâtements et du verre coloré. Dans son cycle Buchi (trous), commencé en 1949-50, il perfore la surface de ses toiles, brisant la membrane de la bidimensionnalité afin de mettre en évidence l'espace derrière l'image. À partir de 1958, il purifie ses peintures en créant des surfaces mates et monochromes, concentrant ainsi l'attention du spectateur sur les tranches qui déchirent la peau de la toile. En 1959, Fontana expose des peintures découpées avec de multiples éléments combinables (qu'il nomme quanta), et commence Nature, une série de sculptures réalisées en découpant une entaille dans une sphère de terre cuite, qu'il coule ensuite en bronze. Fontana collabore avec les architectes les plus importants de l'époque, en particulier avec Luciano Baldessari, qui partage et soutient ses recherches pour Spatial Light - Structure in Neon (1951) à la 9e Triennale et lui commande, entre autres, le plafond du cinéma du pavillon Sidercomit à la 21e Foire de Milan en 1953. Vers 1960, Fontana commence à réinventer les coupes et les perforations qui caractérisaient jusqu'alors son style très personnel, en recouvrant les toiles de couches de peinture à l'huile épaisse appliquées à la main et au pinceau et en créant de grandes fissures à la surface à l'aide d'un scalpel ou d'un couteau Stanley. En 1961, suite à une invitation à participer avec les artistes Jean Dubuffet, Mark Rothko, Sam Francis et d'autres à une exposition de peinture contemporaine intitulée "Art et Contemplation", organisée au Palazzo Grassi à Venise, il réalise une série de 22 œuvres dédiées à la cité lagunaire. Il manipule la peinture avec ses doigts et divers instruments pour tracer des sillons, en y incluant parfois des fragments épars de verre de Murano. Fontana est ensuite invité par Michel Tapié à exposer ces œuvres à la Martha Jackson Gallery de New York. À la suite de sa première visite à New York en 1961, il crée une série d'œuvres en métal, réalisées entre 1961 et 1965. Ces œuvres consistent en de grandes feuilles de cuivre brillant et rayé, percées et creusées, traversées par des gestes verticaux dramatiques qui rappellent la force de la construction new-yorkaise et le métal et le verre des bâtiments. Parmi les dernières œuvres de Fontana, on trouve une série de Teatrini ("petits théâtres"), dans lesquels il revient à un langage essentiellement plat en utilisant des toiles de fond enfermées dans des ailes ressemblant à un cadre ; la référence au théâtre souligne l'acte de regarder, tandis qu'au premier plan, une série de sphères irrégulières ou de silhouettes oscillantes et ondulantes crée un jeu d'ombres animé. Une autre œuvre de cette époque, Trinità (1966), se compose de trois grandes toiles blanches ponctuées de lignes de trous, entourées d'un décor théâtral fait de feuilles de plastique ultramarines ressemblant vaguement à des ailes. Au cours des dernières années de sa carrière, Fontana s'intéresse de plus en plus à la mise en scène de ses œuvres dans les nombreuses expositions qui lui sont consacrées dans le monde entier, ainsi qu'à l'IDEA de la pureté atteinte dans ses dernières toiles blanches. Ces préoccupations étaient au premier plan lors de la Biennale de Venise de 1966, pour laquelle il a conçu l'environnement de son travail. À la Documenta IV de Kassel, en 1968, il place une grande entaille de plâtre au centre d'un labyrinthe entièrement blanc, plafond et sol compris (Ambiente spaziale bianco). Peu avant sa mort, il participe à la manifestation "Destruction Art, Destroy to Create" au Finch College Museum de New York. Il quitte ensuite sa maison de Milan et se rend à Comabbio (dans la province de Varèse, en Italie), la ville mère de sa famille, où il meurt en 1968. .
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