Traduction générée automatiquement
Montrer le texte original
Montrer le texte traduit
Oil on canvas.
The big scene representsa moment of the life of Saint Rocco, the French peregrin and miracle worker that is considered one of the most invoked saints, from the Middle Ages onwards, as the protector from the terrible scourge of the plague and later from all the scourges and catastrophes that afflicted humanity. Even now, in 2020, during the pandemic, the Saint has been the recipient of prayers and invocations to protect from the virus in many Christian communities in the world.
The Saint is pictured during his imprisonment, that will lead him to death, that he underwent in Voghera during his return from Italy to France, with the accusation of espionage because, miserable and tattered, he hadn't been recognized by anyone, and he could not justify his passage through tormented and suspicious lands.
There are many of the iconographic attributes of the Saint in the piece: he is only wearing a cape, the sandals and the buckle that holds his bottle tied to his chest; at his feet, there is the cloak and the cane of the peregrin; on his right, a dog with a piece of bread that, according to the legend, the animal was stealing from the canteen of a rich merchant to feed the sick Saint; on his left thigh you can see the lesion, sign of the illness the struck him.
The piece is attributed to the scope of Lorenzo Lippi (1606-1684), Tuscan artist from 17th century, recognizable from the dry style and inspired by reality, but in particular for the poses and the peculiar anatomical conformations of the figures he painted: you can confront the close correspondence between the angel of this painting and the one in the Sacrifice of Isaac, preserved in Saint Lucia of Montecastello, but even the posture of Isaac, sitting but reclined back with his legs open like Saint Rocco. in a pose that seems to belong to the production of the artist specifically.
We know that the production of Lorenzo Lippi, who was not only a painter but a literatus as well, was almost completely dedicated to the religious and devotional subject, painted not only for the public clientele (city and country Churches), but for private clients as well; even in the production of portraits, that were the reason for his trip to Innsbruck as the Court painter, the subjects of the paintings were often included in sacred scenes.
For centuries, the figure of the artist Lippi had few acknowledgements, and he was criticized for being 'too determined' in remaining faithful to his style, made of a 'pure and simple imitation of nature', as if he was an artist with no creativity and not very inclined to embrace the pictorial novelties introduced in the artistic scene; in particular the flair of the Baroque is missing from his production as well as the adhesion to the taste of the Court of the Medici, based on splendour and the sensuality of the models, remaining tied to the archaisms of the previous century, in particular to the ones of Santi from Tito, to remain close to the religious feeling of the Florentine people and its confraternities.
His compositions, however, respond to the precise balance, both formal and narrational, with scenes lit in a clear manner, with a drawing that is almost from the Renaissance, with plastic postures that highlight the feeling of the character well, with clear characterizations of the faces and the hands, that are always busy in an explicit gestuality, demonstrative of the contents of the scene.
The painting proposed here, already restored and reframed, is presented in a frame in style.
Huile sur toile.
La grande scène représente un moment de la vie de Saint Rocco, le pèlerin français et faiseur de miracles qui est considéré comme l'un des saints les plus invoqués, dès le Moyen-Âge, comme protecteur contre le terrible fléau de la peste et plus tard contre tous les fléaux et les catastrophes qui ont affligé l'humanité. Même aujourd'hui, en 2020, pendant la pandémie, le saint a reçu des prières et des invocations pour protéger du virus dans de nombreuses communautés chrétiennes du monde.
Le Saint est représenté pendant son emprisonnement, qui le mènera à la mort, qu'il a subi à Voghera lors de son retour d'Italie en France, avec l'accusation d'espionnage car, misérable et en lambeaux, il n'avait été reconnu par personne, et il ne pouvait pas justifier son passage sur des terres tourmentées et suspectes.
La pièce présente de nombreux attributs iconographiques du saint : il ne porte qu'une cape, les sandales et la boucle qui tient sa bouteille attachée à sa poitrine ; à ses pieds, il y a le manteau et la canne du pèlerin ; à sa droite, un chien avec un morceau de pain que, selon la légende, l'animal volait à la cantine d'un riche marchand pour nourrir le saint malade ; sur sa cuisse gauche, on peut voir la lésion, signe de la maladie qui l'a frappé.
La pièce est attribuée à la portée de Lorenzo Lippi (1606-1684), artiste toscan du XVIIe siècle, reconnaissable au style sec et inspiré de la réalité, mais en particulier pour les poses et les conformations anatomiques particulières des figures qu'il a peintes : on peut confronter l'étroite correspondance entre l'ange de ce tableau et celui du Sacrifice d'Isaac, conservé à Sainte-Lucie de Montecastello, mais aussi la posture d'Isaac, assis mais couché sur le dos avec les jambes ouvertes comme Saint Rocco. dans une pose qui semble appartenir à la production de l'artiste en particulier.
Nous savons que la production de Lorenzo Lippi, qui n'était pas seulement un peintre mais aussi un lettré, était presque entièrement consacrée au sujet religieux et dévotionnel, peint non seulement pour la clientèle publique (églises de la ville et de la campagne), mais aussi pour des clients privés ; même dans la production des portraits, qui étaient la raison de son voyage à Innsbruck en tant que peintre de la Cour, les sujets des tableaux étaient souvent inclus dans des scènes sacrées.
Pendant des siècles, la figure de l'artiste Lippi a été peu reconnue, et on lui a reproché d'être "trop déterminé" à rester fidèle à son style, fait d'une "imitation pure et simple de la nature", comme s'il s'agissait d'un artiste sans créativité et peu enclin à embrasser les nouveautés picturales introduites dans la scène artistique ; il manque notamment à sa production le flair du baroque ainsi que l'adhésion au goût de la cour des Médicis, basé sur la splendeur et la sensualité des modèles, en restant lié aux archaïsmes du siècle précédent, en particulier à ceux de Santi de Tito, pour rester proche du sentiment religieux du peuple florentin et de ses confréries.
Ses compositions, cependant, répondent à un équilibre précis, tant formel que narratif, avec des scènes éclairées de manière claire, avec un dessin qui est presque de la Renaissance, avec des postures plastiques qui mettent bien en évidence le sentiment du personnage, avec des caractérisations claires des visages et des mains, qui sont toujours occupées dans une gestualité explicite, démonstrative du contenu de la scène.
Le tableau proposé ici, déjà restauré et recadré, est présenté dans un cadre de style.
Contactez-nous
Faire une offre
Nous avons remarqué que vous êtes nouveau sur Pamono !
Veuillez accepter les Termes, Conditions et Politique de Confidentialité
Contactez-nous
Faire une offre
Vous y êtes presque!
Pour suivre votre conversation sur la plateforme, merci de compléter votre enregistrement Pour procéder avec votre offre sur la plateforme, veuillez compléter l’enregistrement.Envoyé!
Merci pour votre message, un membre de notre équipe vous contactera rapidemment
Si vous etes un professionnel du design, merci de vous inscrire ici pour pouvoir profiter de bénéfices exclusifs