L’union de l’arc-en-ciel


Des designs colorés autour du monde

Par Anna Carnick

Qu’il s’agisse d’un électrochoc rose fluo ou d’un bleu glacier relaxant, on ne peut pas le nier : la couleur a un puissant pouvoir. Les différentes couleurs évoquent différentes émotions et nous rendent contemplatifs, plein de joie ou d’énergie. Pour les designers en particulier, la couleur est un outil indispensable pour créer une émotion et un travail inspirant. Comme le disait le génial Verner Panton, “on s’assied plus confortablement sur une couleur que l’on aime.”

Ces derniers mois, nous avons remarqué plusieurs designers internationaux très talentueux qui n’ont pas peur de mettre la couleur au centre de leurs nouveaux projets. Nous avons pris contact avec six studios adeptes des jeux chromatiques pour faire un tour d’horizon des designs colorés qui font battre nos cœurs. Poursuivez votre lecture pour une bonne dose de design aux couleurs de l’arc-en-ciel qui font du bien.

Rive Roshan / London

La couleur joue un rôle crucial dans toutes les créations du studio londonien Rive Roshan. Souvent, leurs projets présentent des combinaisons chromatiques qui changent en fonction de la manière dont on les appréhende. “La couleur est un élément subjectif”, nous explique le designer néerlandais Ruben de la Rive Box et l’iranien australien Golnar Roshan, “nous souhaitons offrir aux gens la possibilité d’en faire quelque chose de personnel.”

Prenons l’exemple du projet versatile Loom Bound (2016). Conçues pour s’adapter aux goûts de chacun, ces pièces modulables en forme d’écran sont composées de tiges en chêne intercalées avec des draps ou des tissus de couleurs variées. Les possibilités de configuration sont quasiment infinies. Que dire du multicolore Circadian Tapestry (2016), un autre mélange de tissus et de bois de chêne, conçu pour illustrer le passage du temps via une approche méditative et “chromologique”, comme l’expliquent les designers. Datant de 2015, les séries Trichroic Tapestries sont installées au musée des Arts Décoratifs de Paris. Il s’agit d’un panneau de cinq mètres de long présentant des couches de tissu, afin d’explorer les interactions avec la couleur. Comme nous l’explique le duo, “nous sommes particulièrement intéressés par la capacité de la couleur à former et à déformer notre perception. Nous cherchons l’émerveillement visuel via un jeu de couleurs.”
 
Ils continuent : “la couleur est aussi importante que la forme, la fonction ou le matériau. Historiquement, la couleur a souvent été négligée et reléguée au second plan lors du processus design. Pour nous, elle a toujours fait partie du processus depuis le début… parce qu’elle a la capacité de capturer ou d’influencer un état d’esprit spécifique ou une émotion.” C’est également un puissant moyen “pour créer un impact visuel ou de poser une question.”


Everything Elevated / Oslo & NYC

Partageant leur temps entre la Norvège et les Etats-Unis, Everything Elevated s’est forgé une réputation en seulement quelques années grâce à des projets réfléchis et magnifiquement réalisés. Un exemple qui illustre parfaitement le style contemplatif de ce studio est Passivation Project, lancé en 2014, qui utilise la couleur pour transformer l’acier en des objets précieux.

Incluant des containers, des miroirs et des tables, les séries sont réalisées à partir d’acier découpé au laser en plusieurs morceaux, puis trempé dans un bain de galvanoplastie. Ce bain laisse un film fin à la surface qui donne une couleur unique à la pièce, et prévient de la rouille. Comme nous l’explique le studio, “nous avons débuté le Passivation Project comme une expérience pour découvrir comment nous pourrions transformer des techniques à bas coût (en accord avec notre budget) en quelque chose de noble, d’unique et de désirable. La forme et le design sont une étape, mais en tant que studio nous souhaitons donner plus de valeur et élever notre travail et nos connaissances.”
 
Ils continuent : “nous sommes convaincus qu’après "assez" viens "plus". Ce “plus” est l’échelle cruciale qui élève un projet au rang d’idée pertinente et significative.”


Joogii / Los Angeles

Inspiré par la French House des années 1990 incarnée par des artistes comme Daft Punk, Etienne de Crécy et Cassius, le studio Joogi basé à Los Angeles a récemment lancé French Touch (2016). Il s’agit d’une collection de mobilier et d’accessoires iridescents, qui sont tout sauf discrets. Aussi jolies que prismatiques, ces pièces composées d’acrylique sont découpées par commande numérique et recouvertes manuellement d’un film dichroïque qui “change la nuance et la saturation en ombre et lumières variées.” Fabriqué dans la ville d’origine du studio, chaque objet est nommé d’après une musique et présente des formes géométriques, des éléments imbriqués et des angles exposés.

Comme l’explique la designer Juliette Mutzke-Felippelli, elle et son mari/partenaire Diogo Felipelli “se sont rencontrés sur une piste de danse en 2006, et quelques années plus tard ont commencé à nous produire en tant que DJ dans des clubs de Rio de Janeiro à Los Angeles. La musique House nous a rassemblés, et comme French Touch était notre premier design pour Joogi, nous voulions qu’il soit spécial. Il est logique d’associer notre histoire et notre amour de la musique house pour créer un beau produit.”

Au sujet du rôle de la couleur dans cette collection, Juliette Mutzke-Felippelli déclare “ la couleur donne le ton, et il est important qu’il s’agisse du bon. Quand la lumière illumine le produit, il diffuse une ombre colorée sur le sol que je trouve édifiante. La couleur n’est jamais statique, elle ajoute constamment du dynamisme dans un environnement.

Elle ajoute que les couleurs fortes rendent les objets émotionnellement accessibles. “Quand vous avez un produit qui est “couleur actif”, cela plaît aux gens et les rend nostalgiques d’autres moments où cette couleur leur a apporté la même joie.”


Studio Germans Ermičs / Amsterdam

Depuis qu’il a été diplômé de la Design School d’Eindhoven en 2011, le designer letton Germans Ermičs s’est principalement concentré sur ses expériences avec le verre et ses qualités chromatiques. “Bien qu’il s’agisse d’un matériau largement utilisé autour de nous, je ne l’ai jamais trouvé rassurant. Mon but est de changer cette perception. Je voulais modifier son aspect et la manière dont je ressens le verre.”

Pour ses séries Ombré (2015-2016), Germans Ermičs a puisé son inspiration dans les couleurs en perpétuel mouvement du ciel et y a ajouté de spectaculaires dégradés à des verres et miroirs. Taraudé par la question “de quoi ça aurait l’air si j’étirais, je tournais ou pliais la couleur comme s’il s’agissait d’une forme en trois dimensions ?”, le designer a conçu Shaping Colour (2015 à aujourd’hui), une série de mobiliers et de miroirs richement colorée, aux lignes parfaites. Germans Ermičs note, “j’ai choisi des formes géométriques simples et transformé leur géométrie froide et linéaire en quelque chose de très profond. Dans mon travail, c’est une manière de considérer la couleur comme un véritable élément en trois dimensions, qui a sa propre consistance.” Il continue : “en débutant un dialogue entre la forme et la couleur, je souhaite briser les rôles traditionnels qui leur sont associés.”

  

Debra Folz Design / Providence, Rhode Island

Pour l’une de ses dernières séries, la designer américaineDebra Folz a puisé son inspiration dans la réflexion de la lumière et la transparence des minéraux. Indéniablement élégante, sa collection Gem (2014 à aujourd’hui) comporte des plateaux de table en verre fumé rose et bleu, placés au-dessus de pieds en nickel ou en laiton,  conçues comme des bijoux. Debra Folz a traduit les facettes des pierres précieuses en utilisant les couches de couleur et les nuances d’opacité du verre.

D’après la designer, “la couleur de chaque table est spécialement conçue pour imiter les propriétés de la lumière sur chaque surface, mais avec une configuration en deux dimensions. Lorsqu’on les place sur un sol de couleur claire avec de la lumière naturelle, le transfert de couleur sur le sol est vraiment beau.”

 

Sabine Marcelis / Rotterdam

De son côté, Sabine Marcelis souhaite apporter un peu de magie. “J’espère que mes designs sont un moment d’émerveillement”, explique la designer née en Nouvelle-Zélande et basée à Rotterdam. “Je souhaite créer des designs qui joue avec la perception et vous feront les regarder à deux fois.”

Le travail de Sabine Marcelis expérimente les matériaux, les techniques et les couleurs. Il est à la fois romantique, hype et plein d’effets visuels surprenants. Par exemple, les sculptures luminaires Dawn (2015) sont composées d’un néon blanc incorporé dans un moule de résine coloré. Elles explorent la relation entre la couleur et la lumière, tout en s’inspirant “du moment de la journée où le soleil, les nuages et le ciel se rejoignent pour créer des nuances étonnantes.”
 
Pour le très graphique et nuancé Seeing Glass Big Round (2015), réalisé avec Brit van Nerven, les designers ont travaillé avec des spécialistes du verre. Ils ont combiné de multiples couches de verre et de feuilles colorées pour créer de la profondeur et une surface réflective. Pour la série de luminaires VOIE (2015), Sabine Marcelis, curieuse de savoir comment l’ajout d’un seul matériel peut modifier la lumière, a intégré des néons à des objets moulés en résine. Le résultat est surprenant et la couleur de la résine intensifiée.
 
Comme le dit Sabine Marcelis, “le cœur de mon travail a toujours été les matériaux et comment afficher la beauté cachée… et extraire des moments magiques en transformant ou en traitant le matériau de manière innovante.”
 
  • Text by

    • Anna Carnick

      Anna Carnick

      Anna est la Rédactrice en Chef de Pamono. Ses textes ont figuré dans plusieurs publications d'art et de culture et elle a rédigé plus de 20 livres. Anna aime rendre hommage aux grands artistes et elle apprécie tout particulièrement les bons pique-niques.

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