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17th Century Italian Religious Painting Credited to Giovanni Battista Salvi
Virgin Mary
Period: second half of the 17th century
Technique: oil on copper
A beautiful, important painting which, although unsigned, can be attributed to the great Italian Baroque artist Giovanni Battista Salvi, known as ‘Il Sassoferrato’.
He specialised in depicting the Virgin Mary in close-up with her hands clasped in devotion.
The quality of the brushwork is extremely high, as is the colour rendering, which creates a very deep and intense atmosphere of bliss.
The use of the extremely rare and prestigious oil on copper technique also denotes a very high level of craftsmanship.
This artwork, never before on the market, comes from an important Italian private collection and is beautified by an impressive antique frame in gilded wood, in almost perfect condition.
Giovanni Battista Salvi da Sassoferrato (August 25, 1609 – August 8, 1685), also known as Giovanni Battista Salvi, was an Italian Baroque painter, known for his archaizing commitment to Raphael's style.
He is often referred to only by the name of his birthplace, Sassoferrato.
The details of Giovanni Battista Salvi's biography are very sparse.
He was born in the small town of Sassoferrato in the Marche region of central Italy, half-way between Rome and Florence, east of the Apennines.
Sassoferrato was apprenticed under his father, the painter Tarquinio Salvi; fragments of Tarquinio's work are still visible in the church of San Francesco in Sassoferrato.
The rest of Giovanni's training is undocumented but it is thought that he worked under the Bolognese painter Domenichino, a main apprentice of Annibale Carracci (c. 1580). Two other pupils of Carracci, Francesco Albani and Guido Reni, also influenced Sassoferrato. In Francis Russell's view, Reni was as much Sassoferrato's mentor as Domenichino was his master.
His paintings also show the influence of Albrecht Dürer, Guercino, and above all Raphael. He appears to also have been influenced by Pierre Mignard, whom he may have met in Rome in the 1630s.
Few public commissions by Sassoferrato exist, and, like Carlo Dolci, he seems to have concentrated on producing multiple copies of various styles of devotional image for private patrons, a demand fuelled by the Counter-Reformation of the Catholic Church. On 15 April 1642 Olimpia Aldobrandini, Princess of Rossano, who became the wife of Prince Camillo Francesco Maria Pamphili, engaged him to paint a portrait to be sent to Naples.
In the 1640s and 1650s portrait painting formed a large part of his work in Rome. In this period he executed portraits of Cardinal Francesco Angelo Rapaccioli (1643–4; Sarasota, John and Mable Ringling Museum of Art), Monsignor Ottaviano Prati (c. 1650; Rome, Palazzo Barberini) and Cardinal Ottoboni (c. 1652; Padua, Musei Civici di Padova).
His talent for portrait painting was evidently appreciated, especially by ecclesiastical clients (Blunt and Cooke).
Until the early 20th century Sassoferrato’s portrait painting was thought to be limited to his Self-portrait (1664–70; Florence, Uffizi), a work of great emotional intensity.
In 1643 Olimpia Aldobrandini engaged Sassoferrato to paint a canvas for the chapel of Santa Caterina in Santa Sabina, Rome, to replace a work by Raphael that had been lost.
This, the Virgin of the Rosary, is perhaps Salvi’s best-known and most celebrated work. The composition is rigorously constructed in the form of an isosceles triangle, and the work demonstrates his painstaking craftsmanship and skilful use of brilliant colour.
He produced few other altarpieces or large compositions, preferring to work on a smaller scale, mostly on sacred subjects, although he did occasionally paint mythological scenes.
Sassoferrato's work was held in high regard through to the mid-19th century.
His paintings were sometimes believed to be contemporary with the school of Raphael. However, by the late 19th century, reaction against sweet devotional artwork was reinforced in England by the critical commentary of John Ruskin.
The late 20th century saw a revival of interest in archaizing Italian Baroque painting, with Guido Reni leading the way in generating a surge of auction interest also in Sassoferrato.
There are over three hundred works by Sassoferrato in public collections in 2006 throughout the world, including almost all of his extant drawings in the British Royal Collection at Windsor Castle.
peinture religieuse italienne du 17e siècle attribuée à Giovanni Battista Salvi
Vierge Marie
Période : seconde moitié du XVIIe siècle
Technique : huile sur cuivre
Une belle et importante peinture qui, bien que non signée, peut être attribuée au grand artiste baroque italien Giovanni Battista Salvi, connu sous le nom de "Il Sassoferrato".
Il s'est spécialisé dans la représentation de la Vierge Marie en gros plan, les mains jointes en signe de dévotion.
La qualité du travail au pinceau est extrêmement élevée, tout comme le rendu des couleurs, qui crée une atmosphère de béatitude très profonde et intense.
L'utilisation de la technique extrêmement rare et prestigieuse de l'huile sur cuivre dénote également un très haut niveau de savoir-faire.
Cette œuvre d'art, jamais commercialisée auparavant, provient d'une importante collection privée italienne et est embellie par un impressionnant cadre ancien en bois doré, dans un état presque parfait.
Giovanni Battista Salvi da Sassoferrato (25 août 1609 - 8 août 1685), également connu sous le nom de Giovanni Battista Salvi, était un peintre baroque italien, connu pour son engagement archaïque envers le style de Raphaël.
Il est souvent désigné uniquement par le nom de sa ville natale, Sassoferrato.
La biographie de Giovanni Battista Salvi est très peu détaillée.
Il est né dans la petite ville de Sassoferrato, dans la région des Marches, en Italie centrale, à mi-chemin entre Rome et Florence, à l'est des Apennins.
Sassoferrato fut l'apprenti de son père, le peintre Tarquinio Salvi ; des fragments de l'œuvre de Tarquinio sont encore visibles dans l'église de San Francesco à Sassoferrato.
Le reste de la formation de Giovanni n'est pas documenté, mais on pense qu'il a travaillé avec le peintre bolonais Domenichino, l'un des principaux apprentis d'Annibale Carracci (vers 1580). Deux autres élèves de Carracci, Francesco Albani et Guido Reni, ont également influencé Sassoferrato. Selon Francis Russell, Reni était autant le mentor de Sassoferrato que Domenichino était son maître.
Ses peintures montrent également l'influence d'Albrecht Dürer, de Guercino et surtout de Raphaël. Il semble également avoir été influencé par Pierre Mignard, qu'il a peut-être rencontré à Rome dans les années 1630.
Il existe peu de commandes publiques de Sassoferrato et, comme Carlo Dolci, il semble s'être concentré sur la production de copies multiples de différents styles d'images de dévotion pour des clients privés, une demande alimentée par la Contre-Réforme de l'Église catholique. Le 15 avril 1642, Olimpia Aldobrandini, princesse de Rossano, qui devint l'épouse du prince Camillo Francesco Maria Pamphili, l'engagea pour peindre un portrait à envoyer à Naples.
Dans les années 1640 et 1650, la peinture de portraits constitue une grande partie de son travail à Rome. À cette époque, il exécute les portraits du cardinal Francesco Angelo Rapaccioli (1643-4 ; Sarasota, John and Mable Ringling Museum of Art), de Monseigneur Ottaviano Prati (c. 1650 ; Rome, Palazzo Barberini) et du cardinal Ottoboni (c. 1652 ; Padoue, Musei Civici di Padova).
Son talent de portraitiste était manifestement apprécié, en particulier par les clients ecclésiastiques (Blunt et Cooke).
Jusqu'au début du XXe siècle, on pensait que la peinture de portraits de Sassoferrato se limitait à son Autoportrait (1664-70 ; Florence, Uffizi), une œuvre d'une grande intensité émotionnelle.
En 1643, Olimpia Aldobrandini engagea Sassoferrato pour peindre une toile destinée à la chapelle de Santa Caterina à Santa Sabina, à Rome, afin de remplacer une œuvre de Raphaël qui avait été perdue.
Cette toile, la Vierge du Rosaire, est peut-être l'œuvre la plus connue et la plus célèbre de Salvi. La composition est rigoureusement construite sous la forme d'un triangle isocèle, et l'œuvre démontre son travail minutieux et l'utilisation habile de couleurs brillantes.
Il a réalisé peu d'autres retables ou de grandes compositions, préférant travailler à plus petite échelle, principalement sur des sujets sacrés, bien qu'il ait parfois peint des scènes mythologiques.
L'œuvre de Sassoferrato a été très appréciée jusqu'au milieu du XIXe siècle.
Ses peintures étaient parfois considérées comme contemporaines de l'école de Raphaël. Toutefois, à la fin du XIXe siècle, la réaction contre les œuvres d'art dévotionnel sucré a été renforcée en Angleterre par les commentaires critiques de John Ruskin.
La fin du XXe siècle a été marquée par un regain d'intérêt pour l'archaïsation de la peinture baroque italienne, Guido Reni ayant ouvert la voie en suscitant une vague d'intérêt pour Sassoferrato lors des ventes aux enchères.
Plus de trois cents œuvres de Sassoferrato sont conservées dans des collections publiques en 2006 dans le monde entier, y compris la quasi-totalité de ses dessins conservés dans la collection royale britannique au château de Windsor.
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