Piero Fornasetti, ascension et déclin

Piero Fornasetti était un des plus grands du paysage du design du 20ème siècle. C’est sa manière de recouvrir le mobilier, la vaisselle, les tissus et même les pièces d’une maison avec des images peintes à la main qui lui a valu son succès. Son âme de décorateur l’a largement distancié de l’austérité du design moderniste selon lequel la forme devrait suivre la fonction. Aujourd’hui, les études sur le design classique italien le présentent souvent comme un marginal, mais son travail, qui rassemble plus de 11 000 œuvres de toutes sortes, est un beau témoin de sa popularité et de son imagination sans limite.

Depuis le début de sa carrière d’artiste, Fornasetti s’est tellement démarqué qu’il s’est vu exclure de l’Academia di Belle Arti di Brera en 1932 pour désobéissance. Imperturbable, il a tout de même participé l’année suivante à une exposition étudiante à l’Université de Milan et a exposé une collection d’écharpes à la 5ème Triennale de Milan. Au début de sa carrière, il s’essaie à la décoration architecturale, au bronze et à la céramique. C’est à ce moment qu’il peint des fresques pour les espaces publics et crée la frise en céramique pour la 6ème Triennale en 1936.

Piero Fornasetti n’aurait sûrement pas connu le même succès sans l’aide du grand designer  Gio Ponti. En 1940, les deux commencent une collaboration qui donnera naissance aux plus grands succès de Piero Fornasetti. Ce que Gio Ponti aimait particulièrement chez Piero Fornasetti, c’était ses motifs néoclassiques et les références à l’héritage visuel italien. Gio Ponti a offert à Piero Fornasetti de grandes surfaces et du mobilier élégant afin qu’il puisse s’exercer aux motifs graphiques et aux illusions spatiales. Entre autres, il a décoré les secrétaires avec des bibliothèques illusionnistes, incrusté les portes d’invitations narratives, et recouvert un radiogramme avec des partitions musicales.

Présentée en 1951 à la Triennale, la collection Architettura est certainement la plus célèbre du duo. C’est d’ailleurs cette collection qui représente le mieux le style de Piero Fornasetti, car elle joue avec le volume et l’espace. Basée sur des imprimés architecturaux antiques, elle consiste principalement en des façades et des intérieurs néoclassiques, composés du mobilier de Gio Ponti. La position de chaque élément architectural est réfléchie en fonction du mobilier : un escalier trompe-l’œil mène à des surfaces et intérieurs véritables, alors que l’intérieur d’une armoire est elle-même un trompe-l’œil.

Piero Fornasetti and Gio Ponti group photo © Atelier Fornasetti Milan

Cette interaction entre la deuxième et la troisième dimensions fait partie intégrante des créations de Piero Fornasetti. Ses dessins s’inspirent de cartes, de publicités, de typographies et d’illustrations du 17ème au 20ème siècle. Il admirait particulièrement la nature historique de ces images, qu’il essayait toujours de reproduire, avec plus ou moins de difficultés. Basée sur une illustration représentant la cantatrice Lina Cavalieri publiée dans un magazine au 19ème siècle, la collection Tema e Variazoni consiste en des centaines d’images de cette dernière mises bout à bout. Bien que largement déformées et retravaillées par Piero Fornasetti, les hachures du graveur restent fidèles à l’image initiale, afin de ne pas la vider de son histoire.

Même si sa collaboration avec Gio Ponti s’est essoufflée, l’œuvre de Piero Fornasetti a grandi en quantité et en genre et il a produit de nombreux nouveaux produits comme des plateaux, des posters, des vestons, des lampes, des vélos, des paravents, des assiettes, des cendriers, des parapluies, mais aussi des grands projets pour La Scala, des intérieurs pour le casino de Sanremo en Italie et enfin des éléments d’intérieur pour le paquebot d’Andrea Doria. Dans le cadre de ses créations, Piero Fornasetti revisite des images de milles et une façons : en plus de ses éléments architecturaux et du visage de Lina Cavalieri, ce dernier travaille avec des motifs de soleils, de papillons, de poissons, de cartes à jouer et de montgolfières. Parfois, ces décorations flottent dans l’air de manière autonome. D’autres fois, ils pénètrent les formes des matériaux.

A la fin des années 1960, l’œuvre de Piero Fornasetti est largement concurrencée par les nouvelles œuvres très expérimentales et conceptuelles, notamment présentées à l’exposition au Museum of Modern Art’s Italy: The New Domestic Landscape au Museum of Modern Art en 1972. Dans ce nouveau paysage du mobilier, seules les rayures et les carreaux sont autorisés. Dans les années 1950, l’atelier Fornasetti passe de 30 à 3 employés. Dans les années 1980, l’avènement du postmodernisme fait rejaillir l’intérêt pour la décoration de surface. Il faudra attendre la mort de Piero Fornasetti en 1988 pour que son œuvre regagne en popularité. En 1991, la grande rétrospective du Victoria & Albert Museum de Londres fait exploser les prix des objets de Fornasetti sur les marchés primaires et secondaires. Dans les années 1980, Barnaba, le fils de Piero Fornasetti, redonne vie à l’entreprise à la demande de son père et remet en vente les premiers designs. Il crée également de nouvelles collections, sans perdre de vue les idées de son père.

Au final, on peut dire que la passion de Fornasetti pour les décorations et les jeux de mots historiques a prédit le postmodernisme futur. Son œuvre unique et sa détermination face à l’austérité du modernisme lui ont assuré un véritable héritage. “Un artiste perd sa qualité d’artiste dès qu’il tente d’être connu. S’il essaie de se conformer aux tendances, il arrivera toujours en retard, car tout le monde sera déjà à la page. L’idée n’est donc pas d’être conforme, mais original.” C’est ainsi que Piero Fornasetti a résumé sa philosophie dans une interview en 1987.

• Text by

  • 

    Jennifer Scanlan

    Jennifer is an independent curator, writer, and teacher specializing in contemporary art and design. She loves food, travel, and her home city of New York. You can also follow her on Twitter @JenScanNYC