HP13-0909 (Abstract Painting) Acrylic on canvas. This work is from the Halftone Paintings series, which are made with a specialized printing surface that leaves a matrix of tiny dots in pattern similar to a photographic halftone. Halftone is the method used in commercial printing to translate the continuous tone of photographic emulsion to a field of minute dots of varying size. The Halftone Paintings somewhat resemble fragmentary enlargements of this kind of image. This painting has a particularly luminous, green ground, which Maine achieved with several thin layers of sprayed glaze. The two scrim-like layers of dots—purple-gray and deep orange—blend optically in a way that reminds Maine of Georges Seurat’s pointillism. Stephen Maine is an American abstract painter, writer, curator and teacher. He is a member of the American Abstract Artists and a contributing editor at Artcritical. His paintings engage and extend contemporary ideas about color, composition, surface and process. He lives and works in Brooklyn, NY. In a process closely akin to relief printmaking, Maine uses textured surfaces to apply fluid acrylic paint indirectly to prepared canvas. He makes these surfaces or “plates,” some of which are quite large, out of common materials such as plywood, extruded foam, plastic and glue. Maine rolls or brushes wet paint over the plate and presses it into the canvas, using custom built contraptions to ensure alignment (registration) of successive applications. Integral to the process is the idea that the entire surface is treated with paint at the same moment. For Maine that means compositional phenomena are allowed to occur with minimal interference from his ego. This approach to composition is productively at odds with his color decisions, which are closely calibrated. Sometimes a single paint application, in concert with the field of color that is the ground, is sufficient to yield a visually engaging result. In most cases, however, to complete an image multiple layers and more complex interactions of hues are called for. The entire process balances precision and unpredictability. Color itself, and the material properties of paint as embodied color, provide Maine with his primary inspiration. His open-ended and intentionally imprecise production methods yield results that cannot accurately be foreseen, and he delights in the element of surprise they bring to his studio activity. He is inspired by the aleatoric elements of his process, which allows his materials and surfaces to collaborate in the creative act rather than be scrutinized and dominated by the artist. Says Maine; “This work has provided me with a concrete way to think about compositionality, seriality, improvisation, presentation, and the psychology of visual perception.”
HP13-0909 (Peinture abstraite) Acrylique sur toile. Cette œuvre fait partie de la série Halftone Paintings, réalisée avec une surface d'impression spécialisée qui laisse une matrice de points minuscules dans un motif similaire à une demi-teinte photographique. La demi-teinte est la méthode utilisée dans l'impression commerciale pour traduire le ton continu de l'émulsion photographique en un champ de points minuscules de taille variable. Les peintures en demi-teinte ressemblent quelque peu à des agrandissements fragmentaires de ce type d'image. Cette peinture a un fond vert particulièrement lumineux, que Maine a obtenu avec plusieurs fines couches de glacis pulvérisé. Les deux couches de points en forme de canevas - gris-violet et orange foncé - se mélangent optiquement d'une manière qui rappelle à Maine le pointillisme de Georges Seurat. Stephen Maine est un peintre abstrait, écrivain, conservateur et enseignant américain. Il est membre de l'American Abstract Artists et contribue à la rédaction d'Artcritical. Ses peintures engagent et étendent les idées contemporaines sur la couleur, la composition, la surface et le processus. Il vit et travaille à Brooklyn, dans l'État de New York. Dans un processus très proche de la gravure en relief, Maine utilise des surfaces texturées pour appliquer indirectement de la peinture acrylique fluide sur une toile préparée. Il fabrique ces surfaces ou " plaques ", dont certaines sont assez grandes, à partir de matériaux courants comme le contreplaqué, la mousse extrudée, le plastique et la colle. Maine applique la peinture humide au rouleau ou au pinceau sur la plaque et la presse sur la toile, en utilisant des dispositifs conçus sur mesure pour assurer l'alignement (l'enregistrement) des applications successives. L'idée que toute la surface soit traitée avec de la peinture au même moment fait partie intégrante du processus. Pour Maine, cela signifie que les phénomènes de composition peuvent se produire avec un minimum d'interférence de son ego. Cette approche de la composition est en contradiction productive avec ses décisions en matière de couleur, qui sont étroitement calibrées. Parfois, une seule application de peinture, de concert avec le champ de couleurs qui constitue le sol, suffit à produire un résultat visuellement attrayant. Dans la plupart des cas, cependant, pour compléter une image, de multiples couches et des interactions plus complexes de teintes sont nécessaires. L'ensemble du processus concilie précision et imprévisibilité. La couleur elle-même, et les propriétés matérielles de la peinture en tant que couleur incarnée, constituent la principale source d'inspiration de Maine. Ses méthodes de production ouvertes et intentionnellement imprécises produisent des résultats qui ne peuvent être prévus avec précision, et il se réjouit de l'élément de surprise qu'elles apportent à son activité en studio. Il est inspiré par les éléments aléatoires de son processus, qui permet aux matériaux et aux surfaces de collaborer à l'acte créatif plutôt que d'être examinés et dominés par l'artiste. Selon M. Maine, "ce travail m'a fourni un moyen concret de réfléchir à la composition, à la sérialité, à l'improvisation, à la présentation et à la psychologie de la perception visuelle"
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