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Flower Garland with Portrait of the Virgin
Francesco Trevisani (Koper 1656 - Rome 1746) and Niccolò Stanchi (Rome 1623 - 1690), attributed
Oil on canvas
66 x 49 cm - framed 76 x 60 cm.
The beautiful painting we are pleased to present depicts an opulent garland dotted with a sophisticated variety of flowers, highlighted by the contrast with the black background, distinguished by an elegant structure and the characteristic liveliness and brilliance of the colors. Within it is a portrait of the Virgin in prayer with her hands clasped to her chest.
This iconographic typology, namely the garland of flowers enclosing a sacred subject, has Flemish origins and later spread to Italy, particularly Rome, where the first experiments in this direction can be traced back to Giovanni Stanchi and Mario Nuzzi, who will always remain indebted to Nordic culture, as can be seen in the ethereal naturalism that characterizes their creations.
Looking at the details of our canvas, it's easy to deduce that it is the result of a successful collaboration between two painters who, as was customary for such creations, could devote themselves to their respective specialties: one to the religious image, the other to the garland of fresh flowers.
In particular, the half-length portrait of the Virgin draws on the Marian inventions of Francesco Trevisani (Koper 1656 - Rome 1746), fully reflecting his modus pingendi, with his typical expressive delicacy and marked taste for nuanced, pearly colors. Particularly strong are the similarities with the work of the master, a fundamental reference for many artists in Rome during the second half of the 17th century and a subject of study and inspiration still relevant in the 18th century.
The elegant fluidity of touch and the sensual refinement typical of Trevisani, combined with a very accurate chiaroscuro rendering inherited from his artistic training in Venice, the exceptional softness of the drawing, the richness of the flesh tones, and finally, the distinctive pose of the figure portrayed (the unmistakable beauty of the two hands raised to the chest), further support our attribution.
The garland, however, is attributable to the hand of the Roman painter Niccolò Stanchi (Rome 1623 - 1690), who distinguished himself among the finest still life painters active in Rome during the Baroque period.
The Stanchi family—Niccolò, Angelo, and Giovanni, the founder of the workshop—formed one of the most vibrant still life studios in Baroque Rome from 1630 onward. Their work was sought after by the most important families of the Roman aristocracy, from the Colonna to the Chigi and the Rospigliosi, and was present in the Medici collections from the end of the century.
The painting is imbued with a sumptuous elegance, given by the sinuous movement of the flowers, drawn with precision and intertwined in a sort of melody that unites them in a Baroque style, as well as by the ethereal figure of the Virgin at the center of the canvas.
The counterpoint of the color palette harmonizes the pale pinks of the peonies with the ethereal white of the roses and orange blossoms, although what undoubtedly stands out and makes our canvas aristocratic is the preponderance of the intense blue of the anemones and hyacinths, which gives the composition a masterful touch of aristocratic elegance.
The work is completed by a beautiful gold frame and is sold with a legally required photographic certificate of authenticity.
ADDITIONAL INFORMATION:
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Guirlande de fleurs avec portrait de la Vierge
Francesco Trevisani (Koper 1656 - Rome 1746) et Niccolò Stanchi (Rome 1623 - 1690), attribué
Huile sur toile
66 x 49 cm - encadrée 76 x 60 cm.
Le magnifique tableau que nous avons le plaisir de vous présenter représente une opulente guirlande parsemée d'une variété sophistiquée de fleurs, mise en valeur par le contraste avec le fond noir, qui se distingue par une structure élégante et par la vivacité et l'éclat caractéristiques des couleurs. À l'intérieur de la guirlande se trouve un portrait de la Vierge en prière, les mains jointes sur la poitrine.
Cette typologie iconographique, à savoir la guirlande de fleurs entourant un sujet sacré, a des origines flamandes et s'est ensuite répandue en Italie, en particulier à Rome, où les premières expériences dans ce sens remontent à Giovanni Stanchi et Mario Nuzzi, qui resteront toujours redevables à la culture nordique, comme en témoigne le naturalisme éthéré qui caractérise leurs créations.
En observant les détails de notre toile, il est facile de déduire qu'elle est le résultat d'une collaboration réussie entre deux peintres qui, comme il est d'usage pour de telles créations, ont pu se consacrer à leurs spécialités respectives : l'un à l'image religieuse, l'autre à la guirlande de fleurs fraîches.
En particulier, le portrait en demi-longueur de la Vierge s'inspire des inventions mariales de Francesco Trevisani (Koper 1656 - Rome 1746), reflétant pleinement son modus pingendi, avec sa délicatesse expressive typique et son goût marqué pour les couleurs nuancées et nacrées. Les similitudes avec l'œuvre du maître, référence fondamentale pour de nombreux artistes romains de la seconde moitié du XVIIe siècle et sujet d'étude et d'inspiration toujours d'actualité au XVIIIe siècle, sont particulièrement fortes.
L'élégante fluidité de la touche et le raffinement sensuel typique de Trevisani, associés à un rendu très précis du clair-obscur hérité de sa formation artistique à Venise, l'exceptionnelle douceur du dessin, la richesse des carnations et, enfin, la pose caractéristique de la figure représentée (la beauté incomparable des deux mains levées sur la poitrine), confortent notre attribution.
La guirlande, en revanche, est attribuable à la main du peintre romain Niccolò Stanchi (Rome 1623 - 1690), qui s'est distingué parmi les meilleurs peintres de natures mortes actifs à Rome à l'époque baroque.
La famille Stanchi - Niccolò, Angelo et Giovanni, le fondateur de l'atelier - a formé l'un des ateliers de natures mortes les plus dynamiques de la Rome baroque à partir de 1630. Leurs œuvres étaient recherchées par les plus grandes familles de l'aristocratie romaine, des Colonna aux Chigi en passant par les Rospigliosi, et étaient présentes dans les collections des Médicis dès la fin du siècle.
Le tableau est empreint d'une somptueuse élégance, donnée par le mouvement sinueux des fleurs, dessinées avec précision et entrelacées dans une sorte de mélodie qui les unit dans un style baroque, ainsi que par la figure éthérée de la Vierge au centre de la toile.
Le contrepoint de la palette de couleurs harmonise les roses pâles des pivoines avec le blanc éthéré des roses et des fleurs d'oranger, mais ce qui ressort incontestablement et rend notre toile aristocratique, c'est la prépondérance du bleu intense des anémones et des jacinthes, qui confère à la composition une magistrale touche d'élégance aristocratique.
L'œuvre est complétée par un magnifique cadre doré et est vendue avec un certificat d'authenticité photographique exigé par la loi.
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